“Things to Come” (“La vita futura”) di William Cameron Menzies

Nell’immaginaria città anglosassone Everytown è in corso la seconda guerra mondiale: guerra iniziata nel 1940 e che proseguirà fino al 2040. Questa è la ragione per cui i cittadini stessi, nipoti e i bisnipoti, non si ricordano nemmeno i motivi per i quali tale guerra fosse iniziata. Il film Things to Come è stato diretto da William Menzies, uno dei maggiori scenografi della storia del cinema, che crea un gioco visivo tra utopia e distopia.

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“The Time Machine” (“L’uomo che visse nel futuro”) di George Pal

Londra, 1899. George è un brillante inventore che mette a punto un sorprendente marchingegno in grado di viaggiare nel tempo. Così inizia ad esplorare il futuro, a vedere i progressi ma anche gli orrori degli uomini (due, addirittura tre guerre mondiali). Il suo percorso lo porta lontano 800.000 anni rispetto al presente, in un futuro in cui l’umanità è divisa tra gli angelici e ingenui Eloi del mondo esterno e gli spietati e mostruosi Morlock, abitanti dei bassifondi della Terra.

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The Time Machine (L’uomo che visse nel futuro) by George Pal

Article by: Matteo Merlano

Translation by: Sema Udmir

London, 1899. George is a brilliant inventor who developed an amazing machine enabling a person to travel in time. And with this machine, the protagonist starts to explore the future and witnesses the progress also the failure of humanity (two, even three world wars). His route will take him 800.000 years ahead, to a future where humanity is divided between angelic and naive Eloi from the external world and cruel and monstrous Morlocks, the inhabitants of the Earth.

George Pal depicts a story in his film based on amazing novel of H. G. Wells who invented an imaginary world, reflecting very well the sci-fi of that period. Colorful pop culture does not take it very seriously, and the fierce social critique of the novel which is that the Eloi represent the rich and Victorian middle class while the Marlocks represent the working class, gives a visionary image to whom made The Time Machine precious like a jewel.

By a sort of anthology of first time lapse experiment, time travel is shown us through the season changes and the changes in fashion in time. It also shows us the history of Time Machine which is the ancestor of Delorean, an armchair with commands operated by a lever with a knob in diamond (to the limits between Steam-Punk and Trash).

Perhaps one of the last examples of Cinema of Attractions in the historical sense of the term, is the film watched all over the years and still enjoyable and fun in its vintage style. We owe to George Pal fantastic 60s cinema (especially Barbarella). However, his spiritual students such as George Lucas and Steven Spielberg can not be forgotten as well. By the way, a remake of the film in 2002 (which was unsuccessful at the box office) is directed by great-grandson of Wells, Simon who used a lot the original version on his remake film with Guy Pearce in the lead role and Jeremy Irons, the head of Morlocks.

“Roads? Where we’re going we don’t need roads”, says Doc Brown in Back To The Future. We agree with you Doc. To travel, it is enough to sit on a comfortable armchair and to use healthy, vital and a lot of immagination.


Mia madre fa l’attrice by Mario Balsamo

Article by: Lara Vallino                                                                             Translation by: Andrea Cristallini


Documentaries have often been overlooked or dimissed as not suitable for cinema screenings on the grounds that they are too specialized, although they bring to the big screen unknown or intentionally ignored realities. Conversely, after his succesful Noi non siamo come James Bond, which gained him the Jury Prize at TFF 30, Mario Balsamo makes his comeback in Turin with another slice of his life: the documentary Mia madre fa l’attrice, one of the four Italian movies in the main section of the festival.
No polar bears or exotic indigenous peoples then, here we are in fact presented with a typical emotional connection, the one between a mother and her son. Since the dawn of times, this indissoluble bond has always been subject to study, and this is still the case today. Either audiences are not tired of listening to the same old story, or perhaps a universally accepted definition has not been agreed upon yet.
Mario Balsamo shows us the very self of his mother: a tough character, a troublesome person, the woman he loved most in his life. He also reveals the difficulties in their relationship: they seem to have become more distant than ever, separated by a wall of mutual incomprehension.
However, sometimes something happens that teaches us how to look at life from a new perspective and after the events he related in his documentary in 2012, Mario is not the same man anymore. He wants to reconnect with the multifaceted woman and be finally able to love her not just as an actress but also as his mother. He takes the most important film in which his mother acted in the 1950s, Piero Costa’s La Barriera della legge, as an opportunity to get close to her again through their shared passion for the film art. Costa’s film is a constant remembrance for Silvana and an obsession for Mario, although neither of them has ever seen it.
They embark on the search for this cinematographic work, that appeared to be no longer available and that they will eventually find uninteresting once they get to see it.
But it’s a well-known fact that it’s the journey that counts. They go on the road in a Lancia Fulvia 810, around Pietrasanta and Versilia, visiting the very same places where Silvana would display her talent many years ago. We witness amusing and moving dialogues, halfway between reality and fantasy, gradually leading to a reconciliation which results in a long-awaited hug. A happy ending for the director, who may finally manage to see in Silvana Stefanini a mother, rather than just an actress.



“Mia madre fa l’attrice” di Mario Balsamo

Mario Balsamo, dopo il successo di Noi non siamo come James Bond, vincitore del premio della giuria al TFF30, ritorna sulla scena torinese con un altro spaccato della sua vita: il documentario Mia madre fa l’attrice, uno dei quattro film italiani in concorso quest’anno al Torino Film Festival. Continua la lettura di “Mia madre fa l’attrice” di Mario Balsamo

“God Bless the Child” di Robert Machoian e Rodrigo Ojeda-Beck

“Hush bye bye, don’t you cry, go to sleepy little baby, when you wake you shall have all the pretty little horses…” Harper ha solo quattordici anni. Canta la ninnananna la sera, e la mattina accudisce quattro fratelli: Elias, il ribelle di 12 anni, Arri (8 anni), Ezra (5 anni) e Jonah di 2 anni. Essere la sorella maggiore non è una punizione ma lo diventa se mamma è altrove, persa in un periglioso conflitto con la propria autostima.

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God Bless The Child by Robert Machoian and Rodrigo Ojeda-Beck

Article by: Alessandro Arpa                                                                                         Translation by: Andrea Cristallini

Hush bye bye, don’t you cry, go to sleep little baby, when you wake you shall have all the pretty little horses… Harper is only 14. She sings lullabies at night and in the morning she looks after her four brothers: Elias, a 12-year-old rebel, Arri (8 years), Ezra (5 years ) and Jonah (2 years). Being the elder sister is not necessarily a punishment but it can become something close to it if mum is away, lost in a serious struggle with her self-esteem.

A blend of the cinema verité and a cinematographic remake of Tierney Gearon’s photographs, God Bless the child is the second feature film by Robert Machoian and Rodrigo Ojda-Beck. The film, which premiered at SXSW Festival in 2015, is the American response to Hirokazu Koreeda’s Nobody Knows. As opposed to the Japanese director’s film, where the mother is an escort, in the work of Machoian and Ojda-Beck she is a depressed woman, a ghost who leaves the house at dawn abandoning her children and comes back at night, while everyone is asleep, except Harper, who has grown up against her will. “Sorry” is her only line in the film, with neither a close-up nor a single frame showing her face. The film drowns in a fog of sadness. Several group scenes are included in the film, with delicate and innocent children songs in the background. In the epic fight between the brothers in the backyard, as they wear boxing gloves resembling Hulk’s hands, game and pain merge and pain eventually makes the loser cry. God bless the child is a vivid and realistic portrait of childhood. And for a change, children are not asked to run after the film, but it’s the film itself that surrenders to their genuine interpretation. And when the sun goes down and everyone is asleep, the door opens and there she is, back again. She gets into bed with her four children, in a shroud that envelopes lonely souls. And Harper is there, staring ruthlessly at her, as life gets harder and harder: hush bye bye, don’t you cry, go to sleep little baby, when you wake you shall have all the pretty little horses.

Riaru Onigokko / Tag by Sion Sono

Article by: Luca Richiardi                                                                                                 Translation by: Cristiana Caffiero

Life is surreal.

There are movies with no soul which just try to step towards any directions without a reason. There are movies that are just empty and dreary. Well, this movie is just their opposite. “Tag” is directed by Sion Sono: it violently breaks in and manages to find a sharp conclusion both in a literal and figurative way. It confuses the feelings and perception of its audience but it doesn’t hide the fact that it has lost the sense of perception itself. This film needs to show its total dismay in order to penetrate the subconscious side of its audience and finally break through its conscious one. However, “Tag” is not addressed to an ordinary audience, for the simple reason that the movie is directed by Sion Sono. It’s a typical Japanese film with its peculiar artistic language which could by perceived as unfamiliar by a western audience, or at least by an audience not acquainted with Japanese pop culture.
This kind of audience might fail to notice the potential for social criticism hidden behind an excess of grotesque violence, which may appear then as empty divertissement: what has been defined, in jargon (particularly in the world of anime, manga and videogames enthusiasts) sa fanservice.
What exactly is fanservice? Excessive and pointless violence, schoolgirls in extra short miniskirts which are constantly lifted, eroticism, promiscuity, reification of the woman.
Tagcontains all these elements. It’s thrown onto the screen in a shameless, exaggerated, intentionally provocative way, as if to ask: “Is this what you want?” As the film unravels, laughing at all this becomes a gesture that makes the spectator feel guilty.
This collage made of absurdities, which people may have fun in, is a heaven for “nerd” teenagers and hides a cruel and dreadful hell. It reveals itself step by step, while we follow the young female protagonist Mitsuko in her absurd suffering.
Among all this violence, torture and death, her loss of identity is what mostly harms. It makes her appear to be an empty box or a mannequin identical to many others. She looks as a figure, whose not uniform nature may be compared to that of Jesus and therefore doomed to sacrifice. It is a kind of essential sacrifice, a spontaneous gesture which gets away from this torture pattern felt as a function of a sadistic pleasure. And it takes place exactly in front of a parody which blames and despises these masses of obsessive fans.
What is such a heroic sacrifice aimed at? It is understood, its aim matches the film’s one: a sabotage internal to the system so that it can penetrate deeper and, hopefully, it can be able to reach and consequently wake up consciences, in order to take them away from this grotesque circle of hell.


“Real oni gokko” (“Tag-Tag”) di Sion Sono

Life is surreal.

Ci sono film che faticano a trovare un’anima e arrancano in mille direzioni; film che combinano il vuoto del proprio senso al tedio della visione stessa. Ecco, questo film è l’esatto opposto di tutto ciò.

Tag-Tag di Sion Sono è un film che irrompe violento in ogni direzione per poi riuscire (letteralmente e figurativamente) a tirare le fila del proprio discorso nella conclusione; un film che disorienta la percezione, ma non per celare la sua ricerca disperata di un senso smarrito, anzi. Il senso del film ha bisogno di un disorientamento totale per poter emergere nella coscienza dello spettatore. Ma sicuramente non di uno spettatore qualsiasi, perchè Tag-Tag è pur sempre un film di Sion Sono, nonché un film profondamente giapponese, che parla di e alla propria cultura e nazione, e che risulterà criptico ad uno spettatore occidentale che si trovi a digiuno di pop culture nipponica. Per questo tipo di spettatore il rischio è quello di non saper interpretare il potenziale di critica sociale nascosta dietro eccessi di violenza grottesca che possono quindi risultare divertissement fini a sé stessi: ovverosia all’incirca quello che è definito in maniera gergale (soprattutto negli ambienti di cultori manga, anime e videogames) come fanservice.

Cos’è il fanservice? Violenza eccessiva e gratuita, studentesse con gonne supercorte e che per giunta si sollevano continuamente, erotismo, promiscuità,  reificazione della donna. Tutto ciò è presente in Tag-Tag. E’ buttato sullo schermo in modo sfrontato, esagerato, volutamente provocatorio. Come a chiederci: “è questo che volete?” Più il film avanza e più il gesto di ridere divertiti davanti a tutto ciò diventa un gesto colpevole. Questo carrozzone di assurdità che tanto può divertire, questo paradiso per adolescenti nerd, nasconde un inferno crudele, agghiacciante, che si rivela di minuto in minuto, mentre seguiamo Mitsuko, la giovane protagonista, nel suo calvario assurdo.

Fra tutta questa violenza e morte, ciò che più ferisce è la perdita di identità della protagonista che la rende un recipiente vuoto, un manichino uguale a tanti, una figura cristica, e, pertanto, destinata al sacrificio. Un sacrificio necessario, un gesto spontaneo che sfugge a questa logica di tortura in funzione di un godimento sadico, compiuto all’interno di una parodia che accusa proprio le masse di fans ossessivi.

Un sacrificio eroico, ma a quale scopo? E’ chiaramente il medesimo scopo che ha il film: compiere un sabotaggio interno al sistema, che possa quindi penetrare a fondo e, si spera, risvegliare qualche coscienza per sottrarla a questo grottesco girone infernale.

“La France est notre patrie” di Rithy Panh

La sezione TFFDoc si apre con un film molto interessante del regista Rithy Panh, documentarista di origine cambogiana che da sempre compie ricerche sull’individuazione delle ingiustizie sociali vissute dal suo popolo. S21: La macchina di morte dei Khmer Rossi, premiato a Cannes nel 2003, ne è un esempio. Gli eventi legati al regime di Phnom Penh l’hanno costretto a fuggire dalla sua terra natale per rifugiarsi in Francia dove ha iniziato i suoi studi cinematografici.

La France est notre patrie si apre con una sequenza che mostra la giungla inarrestabile e sovrana che con le sue radici inghiotte gli spazi di una casa. Probabilmente è una metafora del tema che il regista sta per affrontare.

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La France Est Notre Patrie by Rithy Panh

Article by: Alberto Morbelli                                                                                           Translation by: Lorenzo Matarazzo

TFFDOC section opens with a quite interesting work by director Rithy Panh, a documentarist of Cambodian origins, who has always made a point of his research on social inequities, sometimes experienced personally. The film “S21: The Khmer Rouge Killing Machine”, presented and awarded at Cannes in 2003, is a case in point; the consequences of the regime forced him to run away from his native Cambodia to find shelter in France, where he began his film studies.

“La France est notre patrie” starts with a sequence showing an overwhelming and devastating jungle which swallows with its roots the area of a house that does not belong to such a landscape. This is probably a metaphor for the topic that the director intends to take on in this work.

The documentary narrates in a personal way the history of the French colonies in Indochina for the whole course of the “rêve”. Rithy Panh softly deals with these issues, without ever stating his anticolonial opinions. The extracts were selected from film footage (silent, black and white and in colour). They show the various aspects of the Federation of French colonial possessions in Indochina: they’re scenes of daily life with its faces, constructions of great public works, industrialisation and agriculture. They seem like beautiful scenarios made out of progress and exploration of this foreign and exotic land, the way France saw it at the time.

Skilfully, the director manages to weave a story based on the encounter and clash between two worlds. He identifies and shows throughout the narration two opposed protagonists: the colonising “white man” and the indigenous “bon sauvage”. He lets the archive footage, interspersed with his tableaux, do the talking. The captions reassure the public on the reason why it’s crucial for the colonising mission to prove successful for everyone’s sake, just like a newsreel of that time would have. It’s up to the editing and soundtrack, however, to give us the first clues about the goal that Rithy Panh wants to achieve. A message that slowly reveals itself, getting us farther and farther away from what we see and read.
It is an intimate process of awareness and discovery for the audience. Images and meanings develop as two parallel lines, only meeting as a result of personal reasoning. Thus, the self-proclaimed colonial reality becomes its very own condemnation. An acute expedient which turns the flowing of time into a weapon which acts as a boomerang.

The documentary constitutes a fascinating history lesson on the events that occurred during the colonization of Indochina, as well as a profound consideration about what we perceive in the present time. The eyes looking at those images have changed. Our society has a different take on that material now. It is a subtle social criticism on past historical events and on contemporary too. Undoubtedly, as the above-mentioned beginning sequence teaches us: nature swallows with time anything produced by white man with the alibi of progress. In conclusion, all communities should be the one and only rulers of themselves or it will be for posterity to judge.

Lost and Beauty: the Dying Italy

Article by: Alessandro Arpa                                                                         Translation by: Chiara Toscan

TF<<Chi la ridusse a tale? E questo è peggio,

Che di catene ha carche ambe le braccia;

Sì che sparte le chiome e senza velo

Siede in terra negletta e sconsolata,

Nascondendo la faccia

Tra le ginocchia, e piange.

Piangi, che ben hai donde, Italia mia…>>.

After 27th edition’s winning film La bocca del lupo (The Wolf’s Mouth) TFF dedicated the pre-opening night to the latest laborious work by Pietro Marcello, Bella e perduta (Lost and Beautiful), the only Italian film contending for Locarno International film festival 2015. This bitter tale fuses documentary and fantastical fiction, while poetically denouncing the collapse of human-nature relationship. The film also functions as an off-key requiem for the Italian Republic, a frank protest against the apathy of an immortal caste system of defeatists. The protagonist, Tommaso Cestrone, is a humble, real-life shepherd in line with Marcello’s stock characters, the so renamed “Angel of Carditello” is the only volunteer serving the Royal Estate of Carditello which simbolises the ill-treated and forgotten beauty. Piles of debris and tyres pollute the magic atmosphere of the place that has become a dump for memories. Tommaso is the only one committed to the enhancement from the indifference of the world. Tommaso, among his last wishes, wants to save Sarchiapone, a young talking buffalo that, at times, recalls the melancholy poetry hidden in Balthazar, the donkey protagonist of Au Hasard Balthazar by Robert Bresson. At this stage of the film, Pulcinella appears from the obscure bowels of Vesuvius. He arrives in the nowadays Campania to grant Tommaso’s wish. Pulcinella and Sarchiapone embark on a journey in the forgotten territories of “the land of fire”: a sore journey without hope. Bella e Perduta is a protean film that had a difficult birth. The initial intention of the director was changed during the course of production due to the sudden cardiac death of the real Tommaso Cestrone. For this reason, the film was completed after two years of development. The only choice left to the director was to merge the hints of reality with dreamlike situations. The figure of Pulcinella connects the primordial meaning of psychopomp very intelligently for the immortals. Although the protagonists improvise around a default scenerio, it is difficult to reach the sincere expressive power of transexual Mary Monaco and Enzo Motta, who are the protagonists of “La Bocca del Lupo”. Tommaso and the interpreter of Pulcinella are suspended and suddenly crushed by the power of nature, mother and executioner at the same time. The foolishness of human being is expressed by the look and subjective shots of Sarchiapone who hopes to survive at the mercy of man. But now eveything is destined to collapse and takes attention to the tomb of Tommaso: <<Will we remember this land? >>

Probably not. Maybe yes but it will be very late, and there will remain neither your tears Sarchiapone… nor ours.


“Bella e perduta” di Pietro Marcello

<<Chi la ridusse a tale? E questo è peggio,/ Che di catene ha carche ambe le braccia; / Sì che sparte le chiome e senza velo / Siede in terra negletta e sconsolata, / Nascondendo la faccia / Tra le ginocchia, e piange. / Piangi, che ben hai donde, Italia mia…>>.

Dopo La bocca del lupo, vincitore della 27a edizione del Torino Film Festival, il Tff dedica la serata di pre-apertura al nuovo travagliato lavoro di Pietro Marcello intitolato Bella e perduta. Unico film italiano in concorso al Festival Internazionale del Film Locarno 2015, Bella e perduta è una docu-fiaba amara, una denuncia poetica del collasso tra natura e uomo. Ma è anche un requiem stonato per la Repubblica italiana, un candido urlo contro gli indifferenti, casta immortale di disfattisti.

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Conferenza stampa del 33° Torino Film Festival

Giovane, vivace, distopico, contemporaneo e, aggiungerei, fiducioso.

Questi gli aggettivi che si sono ripetuti più volte durante la dinamica e allegra presentazione della trentatreesima edizione del TFF, che si è aperta con l’esibizione dell’Ensemble di Sassofoni del Conservatorio G. Verdi, la quale ha allietato la Sala 2 del Cinema Massimo, gremita di giornalisti e rappresentanti delle maggiori istituzioni torinesi, con la riproposizione della celebre colonna sonora di Indiana Jones.

conferenza stampa
Esibizione dell’Ensable di sassofoni

“Giovane” è l’appellativo più classico che si possa associare al TFF, infatti le opere in concorso sono sempre le prime, le seconde o al massimo le terze di registi perlopiù indipendenti. In particolare è la sezione Onde, di cui era presente il cocuratore Roberto Manassero, che da sempre si occupa di estrema innovazione tematica e tecnica.  Anche quest’anno, con i suoi 15 film, ha selezionato formati liberi: super8, 16mm, VHS, digitale e incroci con la videoarte.
La stessa vocazione è stata confermata dal curatore della sezione TFFDoc Davide Oberto, il quale ha parlato di “identità di tutte le sezioni: sondare nuovi talenti indipendenti”.

conferenza stampa 1
Maurizio Braccialarghe, Emanuela Martini e Paolo Damilano

La vivacità ha contraddistinto le parole di tutti coloro che sono intervenuti durante la conferenza, a partire dalla Direttrice Emanuela Martini, la quale ha da subito iniziato a raccontare le numerose collaborazioni che il TFF ha intrapreso, da più o meno tempo, con importanti istituzioni torinesi e che, anche quest’anno, saranno parte integrante del Festival.
Tra queste ha posto l’accento sul Circolo dei Lettori che ospiterà un prefestival dedicando due giornate al genere fantascientifico con letture a tema (Pincio racconta Dick e 1984) e sulla RAI, che ospiterà lo staff del TFF durante il festival nei suoi storici palazzi e ha prodotto lo spot che verrà trasmesso su tutte le sue reti.

Pietro Grignani, nuovo Direttore della Sede Regionale Rai di Torino, ha sancito l’imprescindibile collaborazione concreta col Festival come “questione d’identità in quanto entrambe aziende culturali”.
Paolo Damilano, Presidente del Museo Nazionale del Cinema e della Film Commission Torino Piemonte, ha parlato di “festival metropolitano, nel senso che farà parlare di cinema tutta la città”. A tal proposito, l’Assessore alla Cultura della Città di Torino Maurizio Braccialarghe ha confermato la costante tendenza a fare di Torino città d’arte e di evoluzione dei linguaggi, in particolar modo nell’ambito cinematografico.
Come di consueto, anche la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, rappresentata dal Presidente Patrizia Sandretto, si schiera in prima fila tra le collaborazioni con il TFF e quest’anno curerà e ospiterà una sottosezione della sezione Onde, ARTRUM: cortometraggi di carattere fantasmatico ambientati in paesaggi post- apocalittici, tutti legati all’arte contemporanea.

Concluse le presentazioni di vari importanti partners, si è arrivati al succo della questione, ovvero la veloce rassegna dei film in programma e degli eventi correlati.

A parte ciò che già si conosceva, ossia l’omaggio a Orson Welles, il film di pre-apertura  Bella e perduta di Pietro Marcello  e il film di apertura Suffragette, molte sono state le anticipazioni .
15 i film in concorso di cui 4 italiani; nella sezione Festa Mobile il Gran Premio Torino sarà assegnato all’inglese Terence Davies per Sunset Song. Nella stessa sezione il Direttore ha sottolineato la presenza de La felicità è un sistema complesso di Gianni Zanasi di cui la protagonista è Hadas Yaron, premiata come Miglior Attrice alla mostra di Venezia e al TFF32 per Felix et Meirà.

Il Premio Cipputi, a vent’anni dalla sua creazione, verrà assegnato a Francesca Comencini di cui sarà proiettato il mediometraggio In fabbrica, mentre il premio Maria Adriana Prolo alla carriera sarà conferito a Lorenza Mazzetti con la proiezione di due suoi film: K e Together.
Il guest director di quest’anno è Julien Temple, fedele al Festival torinese, il quale, a partire dal suo ultimo film The Ecstasy of Wilko Johnson ha raggruppato 7 film uniti da un macro tema: “Questioni di vita e di morte”, dove protagoniste sono queste due imprescindibili presenze che rendono umani gli esseri umani.

Distopica e surreale è la retrospettiva che inizia con questa edizione e continuerà nella prossima: “Cose che verranno. La terra vista dal cinema”, sezione curata da Emanuela Martini dedicata alla fantascienza, ai mondi impossibili o catastroficamente futuri, nei quali nella battaglia tra utopia e antiutopia vince malauguratamente la seconda.

Davide Oberto, curatore di TFFdoc ha spiegato in dettaglio le tematiche presenti nei film proposti. Oltre alla consueta suddivisone tra Internazionale.doc e Italiana.doc, spicca il Mediterraneo, visto non come attualità e tragedia, ma come fonte di creatività (9 le pellicole in questa sottosezione).

Savina Neirotti, responsabile del TorinoFilmLab, ha infine presentato gli 8 film selezionati e ha spiegato lo spirito formativo che anima questa comunità creativa. Altri fiori all’occhiello su cui si è  soffermata Emanuela Martini nella sua veloce panoramica sono i restauri di Terrore nello spazio e Tragica alba a Dongo, cortometraggio censurato e considerato perduto che racconta le ultime ore di Mussolini.

33rd Torino Film Festival – Press Conference

Article by: Elisa Carbone                                                                                                   Translation by: Sema Udmir

Young, lively, dynamic and, I would add, confident.

These are the adjectives that were most frequently heard during the dynamic and cheerful press conference for the second biggest Italian movie event of the year. This 33rd edition of TFF was opened by the Saxophone Ensemble of Conservatoire G. Verdi in hall 2 of Cinema Massimo playing the famous Indiana Jones theme song, which was enthusiastically cheered by journalists and representatives of the most important Turin institutions.

conferenza stampa
Esibizione dell’Ensable di sassofoni

Young is probably the most appropriate word to describe the TFF, since the work presented are often the first, second, or at most third of their directors, who are usually independent.                                       The section “Onde”, in particular, with its co-curator Roberto Manassero, has always dealt with extreme innovation, both thematic and technical. As usual, this year “Onde” selected 15 films among different formats, Super 8 mm film, Super 16, VHS, digital films and videoart contaminations. The search for innovation has also been confirmed by TFF Doc’s curator, Davide Oberto, who explained that “all sections are based of new independent talents to be explored”.

conferenza stampa 1
Maurizio Braccialarghe, Emanuela Martini e Paolo Damilano

Enthusiasm marked every speech during the press conference, included that of Director Emanuela Martini, who started by pointing out TFF’s several partnerships with important institutions of Turin, which had been established in the past or in recent years and will be part of the event this year too.
Among them, she underlined the collaboration with Circolo dei Lettori and RAI. The local cultural centre wil host a two-day pre-festival event focusing on science fiction readings. (Pincio racconta Dick and 1984) whereas the Italian public television broadcaster RAI will welcome TFF staff within its historical buildings and will be promoting the event during the festival by broadcasting a self-produced spot on its channels. The new director of RAI headquarter in Turin, Pietro Grignani, confirmed how essential such a concrete collaboration is, being both partners cultural companies and sharing a common identity.
Paolo Damilano talked about a “metropolitan” festival, in the sense that it wil get the whole city talking about cinema” and, speaking of that, Maurizio Braccialarghe, Councillor for Culture of the city of Turin, confirmed the constant tendency to make Turin a city of arts and evolution of techniques. particularly when it comes to cinema. As usual, the Sandretto Re Rebaudengo Foundation, represented by its President, Patrizia Sandretto, is also on the front line amongst collaborations with TFF and this year it will even curate and host a subsection of the “Onde” section, ARTRUM: short films of a phantasmatic nature set in post-apocalyptic landscapes, all relating to contemporary art.

conferenza stampa 2
Patrizia Sandretto, Emanuela Martini, Pietro Grignani

After introducing TFF’s several important partners, the press conference came to the heart of the matter: a short review of the festival movies and their connected events.

conferenza 4
Roberto Manassero, Emanuela Martini, Davide Oberto

Aside from what had already been publicly disclosed, such as the homage to Orson Welles , the pre-opening film by Pietro Marcello and the opening film Suffragette, both the Director and the two curators of the film festival revealed a lot of information about this edition. There will be 15 films competing this year, 4 of which are Italian. For the section Festa Mobile, the Gran Premio Torino will be assigned to the English director and screenwriter Terence Davies for his Sunset Song. In the same section the artistic director made special mention of the movie by Gianni Zanasi La felicità è un sistema complesso (Happiness is a difficult system) and the main actress Hadas Yaron, awarded as best leading actress in Venezia film festival and Torino film festival 32 playing in Felix et Meirà.

There will also be the Cipputi Prize, celebrating 20 years from its foundation, and this will go to Francesca Comencini for her short feature movie In fabbrica (In a factory). The Maria Adriana Polo Lifetime Achievement Award will go to Lorena Mazzetti. Two of her films, K and Together will be played during the festival.                        This year the guest director will be Julian Temple, who loves Torino film festival and used his latest movie The ecstasy of Wilko Johnson (guitarist of the band Dr. Feelgood, terminally ill with cancer, saved at the eleventh hour by an operation) as a starting point to regroup seven movies, all linked together by a macro theme: Questioni di vita e di morte, where the protagonists are exactly these two unavoidable presences, which make human beings just what they are. “About dystopia and surreal” are the words that best define the retrospective, which is starting in this edition and will be continuing in the next one: Cose che verranno. La terra vista dal cinema, under the direction of Emanuela Martini, is the section dedicated to science fiction and to impossible or catastrophically future worlds, where in the battle between utopia and antiutopia, is the second one which unluckily wins.
Davide Oberto, the curator of TFF doc, then talked in detail about the themes of the films proposed for the Festival. In addition to the usual subdivision between International.doc and Italian.doc, the will be a focus on Mediterranean, seen not only as tragic and a protagonist in the current affairs, but also as a source of creativity (9 films in this subsection). In addition, there will be several special events such as screening of Fondo Mossina Miss Cinema shot on 16mm that shows us unexpected portraits of hopeful young people from 1942 to 1952 and the screening of two Chantal Ackerman’s films.
Finally, the Director of TorinoFilmLab Savina Neirotti presented the 8 selected films and clearly restated the importance of the didactic aim that lies at the basis of this creative community. Pride of place was also enjoyed by the restored versions of Terrore nello spazio and Tragica Alba a Dongo, a short film that was once banned and thought lost, which portrays the final hours of Mussolini in Dongo, in a quick overview presented by Emanuela Martini.

Liveliness and dynamism are the adjectives that best describe the sponsor of the event, Chiara Francini. The actress was specially appointed taking into consideration the image this festival aims to convey for its 33rd edition. The awareness of last year’s big success (which made it possible to have 11 theaters available this year) gives the organizers of this festival the right confidence and the possibility to rely on a widespread public approval.

“Shinjuku Suwan” (“Shinjuku Swan”) di Sion Sono

Nell’universo manga ed anime vi sono molti generi.

Lo shonen, ovverosia il genere d’azione e combattimento dedicato ad un pubblico di adolescenti e giovani adulti, è sicuramente tra i più popolari, nonché probabilmente il più noto al di fuori del Giappone. DragonBall, One Piece, Naruto, sono alcune fra le serie più famose nel genere, viste da milioni di ragazzi in Italia come in tutto il mondo; sono opere profondamente legate a cliché (le cui radici talvolta affondano nella mitologia orientale), percorse da personaggi caratteristici e sorrette da strutture narrative spesso prevedibili nel loro sviluppo.

Shinjuku Swan è l’adattamento di uno di questi manga shonen, girato da Sion Sono nel suo impegnatissimo 2015 (ben cinque film in uscita). Ed è un adattamento che non stravolge queste strutture e cliché, ma li adegua ai tempi cinematografici e alle necessità legate al trasferimento dell’azione tipica di fumetti e di film d’animazione in un film live-action. L’obiettivo di Sion Sono è evidentemente quello di soddisfare tanto il pubblico affezionato all’opera originale quanto i neofiti o coloro che sono interessati solamente al film in sé. L’operazione è delicata, ma la mano del regista è sapiente e rispettosa, e l’operazione si può considerare un successo.

Nel protagonista Tatsuhiko ritroviamo, secondo uno dei cliché più noti del genere, un personaggio già visto mille volte: un bonaccione, uno scapestrato dal cuore d’oro violento con i prepotenti, gentile con i deboli. Insomma un Goku, un Luffy o un Naruto, per ricollegarci ai manga più noti. La novità sta nel microcosmo in cui questo personaggio è calato, che è tutt’altro che mitico e fantastico: si tratta del quartiere di Tokyo dei locali a luci rosse e del gioco d’azzardo Shinjuku, dove l’eroe è un ragazzo di strada senza un mestiere che viene casualmente reclutato da una agenzia di scouting per prostitute.

Ma in realtà anche questo microcosmo non si sottrae alle regole caratteristiche del genere: i pestaggi frequentissimi lasciano ben poche tracce sull’eroe e sui suoi amici, un po’ gangsters papponi e un po’ monaci zen indifferenti al dolore (persino una palla da bowling in faccia guarisce con un paio di cerotti). Personaggi larger than life sono inseriti in strutture gerarchiche ben definite che ci danno immediatamente un’idea delle loro capacità e restituiscono una narrazione semplice da interpretare, immediatamente soddisfacente soprattutto per un giovane spettatore.

I meccanismi della storia sono, quindi, quelli noti, ben oliati e perfettamente funzionanti, e per chi li conosce ed apprezza la soddisfazione sta nel vederli girare con estrema precisione e sicurezza, lasciandoci totalmente liberi di apprezzare la bellezza nascosta in ogni dettaglio: nelle coreografie dei combattimenti, nei costumi, nella scenografia, nei dialoghi misuratamente esagerati, nelle gag da puro slapstick.

Da lodare, infine, l’estrema parsimonia nell’uso di CGI (Computer-Generated Imagery), uno strumento spesso abusato nel genere dei cinecomics, a discapito del realismo e della sensazione di solidità dei corpi; in Shinjuku Swan ogni corpo è palpabile, ogni pugno è percepibile, ogni gemito di sofferenza dei personaggi viene rispettato e valorizzato, per la soddisfazione ed il divertimento dello spettatore.


“Tutti giù per terra” e “La strada di Levi” di Davide Ferrario

Giornata conclusiva di Piemonte Movie.
Al Cinema Massimo ha avuto luogo la proiezione pomeridiana di due film di Davide Ferrario, al quale quest’anno è stata dedicata un’intera sezione della manifestazione.  Tutti giù per terraLa strada di Levi riassumono bene la diversità e la ricchezza dell’opera del regista bergamasco che tanto adora Torino e ben la rappresenta nei suoi film, come Dopo mezzanotte, Tutti giù per terra e il recente La luna su Torino.

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“Walking With Red Rhino – A spasso con Alberto Signetto” di Marilena Moretti

Una vita d’Artista

Resta un sorriso malinconico ma ottimista sulle labbra dello spettatore al termine di Walking with Red Rhino, toccante omaggio che la documentarista Marilena Moretti ha fatto ad Alberto Signetto, regista, artista visivo ma soprattutto amico. Continua la lettura di “Walking With Red Rhino – A spasso con Alberto Signetto” di Marilena Moretti

Il blog degli studenti del Dams di Torino