Nel 2018 la figura dello zombie è così onnipresente nei nostri media da aver perso in parte sia la sua forza critica, sia la sua capacità di far paura. Cinema, televisione, fumetti e videogiochi hanno sfruttato talmente tanto l’immagine dei morti viventi che risulta difficile creare qualcosa di nuovo. Dominique Rocher ci prova relegando questa figura al margine della sua storia horror. Ovviamente nel suo film gli zombie sono presenti in grande quantità, ma sembrano soltanto un pretesto per isolare il protagonista Sam (Anders Danielsen Lie) in una prigionia solitaria all’interno di un appartamento parigino. Continua la lettura di “LA NUIT A DÉVORÉ LE MONDE” DI DOMINIQUE ROCHER
“FIGURAS” BY EUGENIO CANEVARI
Article by: Beatrice Ceravolo
Translation by: Luca Bassani
“Do you like black and white films? No? Neither do I”. This is the question Valeria asks her mother Stella, and she does so in a documentary which is shot entirely in black and white. As stated by director Eugenio Canevari during his Q&A at Cinema Massimo, this film comes from an urgent need. After meeting Valeria and getting to know her difficult situation, Canevari felt that he had to do something for this family of three that was struggling with an ailment such as ALS, with no help from any institution whatsoever. The footage was collected through daily, thorough observation of Stella’s reality. Once a very dynamic woman, she ended up having to rely on her daughter and her boyfriend Paco, who also struggles with health issues, to help her in her daily life. Therefore, there was no script during the shooting: the director had to join different elements in order to create an accessible story for the audience.
In this sense, Canevari’s work is indeed praiseworthy: the director’s camera follows the three figuras discretely and respectfully, daring to show each and every part of this sickness without blaming the daughter, who finds it difficult to handle her mother’s profound change. The shots often reflect every character’s claustrophobia by showing the oppressive spaces inside Stella’s flat and enclosing them in frames which consist of doors, door frames and narrow hallways. The main narrative is also punctuated by the parties Valeria goes to in the evening, which represent the passing of days.
Stella cannot speak anymore, but her gentle and alert presence is audible as it is visible: Stella can be heard anywhere, with her breath, the tablet on which she continuously plays with interactive figuras of animals in order to keep her mind active, her loud western films, her old-fashioned songs and the Argentinian tango she dances with Paco, with the help of her medical walker. The overt choice of the black and white aesthetic fits this vision: Stella was living in another time and in another space, watching western films all day long, and Canevari managed to represent this distance through such technique.
The film does not dwell solely on the tragic aspects of the story, as explicitly wanted by the director, but it sometimes alternates impotence with humour, especially from Paco’s character. Canevari and Valeria stated that elements of fiction were added to the real facts in order to tell Stella’s story in the best way, considering that the film is dedicated to her.
At the end of the screening, some members of the audience went to hug Valeria and Canevari, who told them: “The film is for you”. And we thank him.
“FIGURAS” DI EUGENIO CANEVARI
“Ti piacciono i film in bianco e nero? No? A me nemmeno”: questa la domanda di Valeria a sua madre Stella, proprio in un documentario girato interamente in bianco e nero. Il film nasce, come riferito dal regista Eugenio Canevari, al Q&A presso il Cinema Massimo, da una forte esigenza: dopo aver conosciuto Valeria e la sua difficile situazione familiare, Canevari sentì il bisogno di fare qualcosa per tre persone che si stavano misurando con un male come la SLA sostanzialmente senza aiuti da parte di alcuna istituzione. Il materiale è stato raccolto grazie ad un’osservazione giornaliera ed a lungo termine della realtà di Stella, una donna un tempo molto attiva e poi costretta ad essere aiutata in ogni parte della sua vita quotidiana dalla figlia e dal compagno Paco, a sua volta afflitto da problemi di salute; non è dunque stato preparato alcun copione, mentre il compito del regista è stato di unire degli elementi per creare una storia accessibile per il pubblico.
“IMPETUS” BY JENNIFER ALLEYN
Article by: Cristian Viteritti
Translated by: Giulia Maiorana
Impetus by Jennifer Alleyn is a hybrid film which combines typical expressive forms of documentary films, such as interviews, with fictional ways of narrating. The final product is a film full of storylines and timeframes that lead to a reflection on action and movement’s relevance and strength.
“IMPETUS” DI JENNIFER ALLEYN
Impetus di Jennifer Alleyn è un film ibrido, che mescola alcune delle tipiche modalità espressive del documentario, come l’intervista, con i mezzi narrativi delle opere di finzione. Il prodotto finale è un film ricco di intrecci e di linee temporali che terminano in una riflessione sull’importanza e la potenza del movimento, dell’azione.
“PAPI CHULO” BY JOHN BUTLER
Article by: Samuele Zucchet
Translation by: Zoé Kerichard-Giorgi
Papi Chulo. No, it is not only the electro/dance song by Lorna, the rapper form Panama, which became viral at the beginning of the 2000s and was played in dance clubs all over the world – even if perhaps this title is what unconsciously attracted me to this movie. If Papi Chulo was for me only a song I used to hear in clubs, now these two words have become representative of a movie. And what a movie.
“PAPI CHULO” DI JOHN BUTLER
Papi Chulo. No, non è solo il brano elettro/dance di Lorna, rapper di Panama, diventato virale nei primi anni duemila e sentito nei club di tutto il mondo – anche se forse è stato inconsciamente questo titolo a farmi cadere l’occhio sul film. Dunque, se prima Papi Chulo era per me solo una canzone sentita in discoteca, ora queste due parole sono riuscite a smarcarsi, diventando soprattutto rappresentative di un film. E che film. Continua la lettura di “PAPI CHULO” DI JOHN BUTLER
“THE FRONT RUNNER” BY JASON REITMAN
Article by: Tommaso Dufour
Translation by: Priscilla Valente
“A film written by a journalist and a political activist with the Ghostbusters director’s son”. With these words Jason Reitman opens the TFF36 press conference, of which The Front Runner is the opening film. He refers to Matt Bai – author of All the Truth Is Out, the novel the film is inspired by – and to Jay Carson – House of Cards producer and consultant. Reitman reveals then that the first frames, the Columbia’s vintage logo from Stripes (Ivan Reitman, USA, 1981), are a tribute to his father and to the film which accompanied the director’s childhood.
“THE FRONT RUNNER – IL VIZIO DEL POTERE” DI JASON REITMAN
“Un film scritto da un giornalista e un attivista politico insieme al figlio del regista di Ghostbusters”. Con queste parole Jason Reitman apre la conferenza stampa del TFF36, di cui The Front Runner è il film d’apertura, facendo riferimento a Matt Bai, autore di All the Truth Is Out, romanzo cui il film si ispira, e Jay Carson, produttore e consulente per House of Cards. Reitman rivela poi che i primi fotogrammi della pellicola sono un omaggio al padre, il logo vintage della Columbia da Stripes (Ivan Reitman, USA, 1981), ovvero il film che ha accompagnato l’infanzia del regista.
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“ALPHA, THE RIGHT TO KILL” BY BRILLANTE MENDOZA
Article by: Elio Sacchi
Translation by: Maria Elisa Catalano
Brillante Mendoza, one of the most successful Filipino directors, known all over the world thanks to numerous international awards, returns to the Torino Film Festival this year with Alpha, the Right to Kill, a claustrophobic film with a strong and immediately explicit social commentary. Shot in low resolution and with a style inherited from cinéma vérité, this Filipino film immediately immerses the viewer into the streets, the markets and the houses of a labyrinthine city, where even moral values seem to have lost their point of reference: in fact, despite the police being an ubiquitous presence, crime and immorality indirectly pervade the whole society.
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“ALPHA, THE RIGHT TO KILL” DI BRILLANTE MENDOZA
Brillante Mendoza, uno dei più affermati registi filippini che, grazie a numerosi premi internazionali è conosciuto in tutto il mondo, torna al Torino Film Festival anche quest’anno con Alpha, the Right to Kill, un film claustrofobico e di forte e immediatamente esplicita denuncia sociale. Girato in bassa risoluzione e con uno stile erede del cinema-verità, il film filippino immerge fin da subito lo spettatore tra le strade, i mercati e le case di una città labirintica, in cui anche i valori morali sembrano aver perso il loro punto di riferimento: infatti, nonostante la polizia sia una presenza ubiqua, la criminalità e l’immoralità pervade trasversalmente l’intera società.
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SOUNDFRAMES: CINEMA INTERATTIVO, AVANGUARDIE E SPERIMENTAZIONE
Giunto alla sommità della rampa elicoidale, quando ormai mancano poche postazioni alla fine del percorso, il visitatore ha come l’impressione che Soundframes sia qualcosa di più di una semplice mostra. Un grande cartello informativo invita il pubblico a proseguire senza l’ausilio delle cuffie, e il messaggio è tanto chiaro quanto disarmante: bisogna abbandonare le vesti dello spettatore, uscire dalla comfort zone di un percorso guidato e trasformare le suggestioni in azione.
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36TH TORINO FILM FESTIVAL OPENING PRESS CONFERENCE
Article by: Marco De Bartolomeo
Translation by: Luca Bassani
Turin, 13th November 2018. In theatre 3 of Cinema Massimo, Sergio Toffetti and Emanuela Martini inaugurate the 36th Torino Film Festival press conference. Beautiful Rita Hayworth’s dancing body, portrayed in the 1942 film You Were Never Lovelier by William A. Seiter, stands out in the background.
The picture we chose as the official logo for this edition – explains artistic director Martini – adequately represents the spirit of this festival, which has been involved in the research, support and promotion of the most innovative filmmakers in the global cinema industry since 1982. Therefore, freshness, energy and vitality are the keywords that led the curators’ selection.
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CONFERENZA STAMPA DI APERTURA DEL 36° TORINO FILM FESTIVAL
Torino, 13 novembre 2018. Nella sala 3 del cinema Massimo, Sergio Toffetti ed Emanuela Martini inaugurano la conferenza stampa del 36° Torino Film Festival. Sullo sfondo campeggia il corpo danzante della bellissima Rita Hayworth, ritratta nel film del 1942 Non sei mai stata così bella, di William A. Seiter.
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SOUNDFRAMES: LA MUSICA NEL CINEMA D’AUTORE
La musica rappresenta da sempre una delle forme espressive maggiormente capaci di donare, a chi ne fruisce, la possibità di immergersi in un mondo a sé stante: le note si mescolano con le emozioni, le accelerano, le inibiscono e le regolano. È interessante notare come questo carattere empatico della musica si accordi con un tipo di cinema che è stato, quasi sempre, in grado di veicolare attraverso le immagini una sensazione, uno stato d’animo: il cinema d’autore. In questo ambito, molti registi hanno spesso scelto di non accompagnare semplicemente le sequenze dei loro film con temi ripetitivi, come poteva accadere nel cinema classico hollywoodiano, ma di dare allo spettatore la possibilità di interpretare le immagini anche attraverso la melodia e il suono a esse legate, sfruttando la possibilità di dar loro un colore diverso .
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SOUNDFRAMES: DAL MUTO AL SONORO
Il cinema muto non è mai stato completamente silenzioso, perché le proiezioni in sala erano accompagnate da musica dal vivo suonata da pianisti o orchestre. Tuttavia, il rapporto tra cinema e musica nei primi trent’anni della storia del cinema era ben diverso da quello attuale, e la potenzialità che oggi è attribuita alla colonna sonora di un film è molto diversa dalla percezione che ne avevano i cineasti e i critici nei primi decenni del ‘900.
SOUNDFRAMES: MUSICA E CINEMA HORROR
L’horror è, insieme al musical, il genere che ha saputo maggiormente sfruttare le potenzialità della colonna sonora: la musica e il suono modificano la fruizione delle immagini entrando in stretto rapporto con loro, dando vita a un contesto polisensoriale che fornisce suggestioni ed inferenze, capaci di amplificare il significato della rappresentazione, creando un valore aggiunto. Continua la lettura di SOUNDFRAMES: MUSICA E CINEMA HORROR
SOUNDFRAMES: DAL MUTO AL SONORO
Il cinema muto non è mai stato completamente silenzioso, perché le proiezioni in sala erano accompagnate da musica dal vivo suonata da pianisti o orchestre. Tuttavia, il rapporto tra cinema e musica nei primi trent’anni della storia del cinema era ben diverso da quello attuale, e la potenzialità che oggi è attribuita alla colonna sonora di un film è molto diversa dalla percezione che ne avevano i cineasti e i critici nei primi decenni del ‘900.
RICHARD DYER PRESENTA LA MONOGRAFIA SU “LA DOLCE VITA”
Se chiedessimo a studiosi e appassionati di nominare il più iconico o il più famoso film della storia del cinema italiano, La dolce vita guadagnerebbe senza dubbio il posto d’onore.
Nel 1960 Federico Fellini realizzava la sua opera più celebre, destinata a diventare non solo uno dei film più importanti della storia del cinema, ma anche un’ispirazione, un riferimento, un modello, per il cinema e non solo, sia in Italia che all’estero.
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SOUNDFRAMES: I GRANDI COMPOSITORI
La mostra Soundframes, ospitata all’interno del Museo del Cinema fino al prossimo gennaio, propone un viaggio multimediale attraverso le molteplici contaminazioni tra musica e cinema. Non poteva mancare quindi un’area tematica dedicata ai grandi compositori di Hollywood. E così tre schermi ci mostrano, mediante alcune brevi sequenze di film, l’evoluzione del modo di ideare le colonne sonore nel corso della storia del cinema.